Mediación de la técnica

JOSÉ ORTEGA Y GASSET

En su texto, Ortega y Gasset separa los dos tipos de necesidades humanas: aquellas que naturalmente necesitamos para sobrevivir y las necesidades superfluas.

Vivir es la necesidad originaria y todas las demás son consecuencia de ella. Ortega y Gasset explica que para el ser humano la vida es una necesidad subjetiva porque puede elegir morir. Permanecer vivo es una necesidad que surge de un acto de voluntad y este hecho nos distingue de los animales. El hombre puede librarse de sus necesidades y tecnológicamente crear herramientas que le faciliten lo que necesita. Este acto técnico es la modificación que el hombre impone en la naturaleza buscando satisfacer sus necesidades. Así, las necesidades elementales dejan de serlo y empezamos a crear otras necesidades. Al librarnos de las necesidades elementales podemos buscar cosas sobrantes que dan bienestar. Con la técnica el hombre puede adaptar el ambiente a sus necesidades.

Los seres humanos somos proyecto y cómo tal buscamos satisfacer no sólo nuestras necesidades elementales, sino nuestro bienestar. Hay ocasiones en las que si el ser humano no puede realizarse como proyecto. prefiere morir. La tecnología facilita que al tener las necesidades elementales cubiertas podamos enfocarnos a realizar este proyecto.

Si desconocemos la idea de bienestar no podemos saber cuales son las necesidades, es una idea que cambia según la persona o la cultura. Por ello, la técnica no está dirigida por un único motivo o proyecto.

Pensamos que la técnica está muy consolidada y por ello no es un tema que nos preocupa día con día. En realidad no está tan consolidada como pensamos, un cambio en nuestros deseos la modifica y mientras más depende de cosas más frágil se vuelve.

No hay hombre sin técnica. La técnica varía según la idea de bienestar que tiene el hombre en dado momento. Un acto técnico es aquello en que nos esforzamos a inventar algo para luego ejercer un plan de acción que nos permite saciar con el menos esfuerzo la necesidad. La técnica es el medio a través del cual evitamos preocuparnos por las necesidades elementales, nos permite ahorrarnos un esfuerzo y dedicarlo mejor a actividades de ocio. Usamos la técnica para poder exentarnos de los quehaceres que nos impone la naturaleza y dedicarnos a ocupaciones no biológicas. Lo que el hombre inventa quehaceres no biológicos, crea una vida y esa es a lo que el hombre llama vida humana, bienestar.

El mundo no es ni todo facilidad ni todo dificultad. Los recursos vienen y van. Desarrollamos técnica para limitar las necesidades naturales y poder ser el hombre ficción de sí mismo. Por lo tanto, la vida humana no es un curso pasivo en el mundo, sino una constante lucha por acomodarse en el, por acomodarlo.

Creo que algo interesante que plantea el autor es que al no tener claro el concepto de bienestar para el ser humano, no se puede saber cuales son sus necesidades. La técnica sirve para modificar el mundo para que el hombre cumpla sus necesidades. Una idea de bienestar basada en la paz desarrolla una técnica distinta que una de guerra. Se pueden desarrollar en un sentido más espiritual o en uno mecánico.

El hombre consiste no en lo que es, sino en aquello que todavía no es. En este todavía, está la parte de proyecto. Para el hombre, existir es el proceso de realizar lo que quiere ser. De esta manera, la naturaleza es sólo el conjunto de cosas buenas o malas a las que se tiene que enfrentar el hombre.

History, Technology and the Pursuit of Happiness

EDMUNDO O´GORMAN

No podemos desasociar las actividades tecnológicas de las cultura, la tecnología es cultura. La tecnología es exclusiva del ser humano, característicamente al desarrollarla se presentan cambios en el medio ambiente e involucra la invención de procesos y manipulación de cosas con el propósito de tener al alcance los medios para satisfacer las necesidades del hombre. A diferencia de la tecnología, con la técnica no se realizan cambios significativos en el medio ambiente, puede ser desarrollada por animales y sirve para facilitar cosas.

O’Gorman explica así que el universo es la realidad natural no modificada, mientras que mundo representa la naturaleza artificial hecha por el hombre. El universo no está hecho por el hombre y por lo mismo no le pertenece. El mundo es parte del universo y al ser artificial podría verse como un tumor en el cuerpo del universo.

Explica también que la vida humana no es una lucha por la vida, sino por una mejor vida. La necesidad del hombre de ser feliz es el impulso fundamental en la vida humana y esto trae a las otras necesidades. La felicidad es la necesidad de las necesidades. La aspiración del hombre es convertirse en una entidad sin necesidades. A diferencia de los animales, obtenemos nuevas necesidades que van más allá de las biológicas.

Las primeras tecnologías servían para que los seres humanos lograran satisfacer ciertas cosas. Hoy tenemos unas tecnologías que ya no satisfacen esas necesidades casi biológicas, nuestras necesidades ya son completamente distintas. Se ha transformado completamente la forma en que los seres humanos desarrollamos la tecnología.

En realidad la tecnología tendría que satisfacer nuestras necesidades. Las creamos para tener la oportunidad de como seres humanos desarrollarnos como proyecto. Por lo mismo deberíamos de tener claro cual es nuestro proyecto. El problema es que desarrollamos la tecnología sin saber cual es dicho proyecto.

Es un hecho que tecnológicamente podremos lograr lo que queramos, pero nos encontramos desarrollando tecnología sólo porque podemos, sin preguntarnos si es en realidad lo que queremos o si nos va a llevar a donde queremos llegar. Por ello parece que la tecnología nos supera y que nosotros somos el proyecto de la tecnología y no lo contrario. Nosotros tenemos que decidir hacia donde tiene que ir la tecnología y no que sea ella la que nos lleve. Para esto tenemos que pensar y decidir hacia donde queremos llevar nuestras necesidades.

Technology and Wisdom

TECHNOLOGY AND WISDOM
Emmanuel G. Mesthene

En la lectura, Mesthene establece que aquello que es específico de nuestra era no es el desarrollo de la tecnología y la ciencia. Hoy en día ya no nos sorprenden tanto los avances científicos y tecnológicos, de alguna manera ya los esperamos. Antes los inventos humanos eran únicos y transformaban al mundo, hoy ya no nos sorprenden de manera radical. La tecnología es menos revolucionaria mientras reconocemos y buscamos el poder que nos otorga. Nuestros inventos son cada vez menos frecuentes y cada vez más tomados por hecho.

Hoy, mas bien nos caracteriza esa acumulación de poder físico que nunca antes habíamos tenido. En nuestra época aspiramos a alterar el poder que el mundo natural siempre ha ejercido sobre nosotros. Durante mucho tiempo el ser humano supuso los límites del mundo natural y hoy rompe esas barreras que siempre creyó que eran insuperables.

Mesthene nos dice que por fin logramos llegar a un momento donde controlamos la física, cosa que antes no podíamos hacer, y esto ha roto los parámetros que la naturaleza nos imponía.

La tecnología no es ni buena ni mala. Mesthene recalca la tecnología puede ser considerada mala porque tiene un potencial negativo, aunque nos puede ayudar a curar enfermedades o a propagarlas por el mundo, a liberar millones de esclavos o a esclavizar a millones de personas. La tecnología puede ser lo que nosotros queramos que sea. Tenemos la capacidad de dirigir la tecnología y deberíamos como humanos dirigirla.

Para ello, Mesthene plantea que tendríamos que preguntarnos para que queremos la tecnología, cosa que no hacemos. La estamos desarrollando sin antes preguntarnos que queremos de ella.
Es un hecho que la tecnología tiene puntos negativos. Sin embargo, en realidad tiene dos caras: una que está llena de promesas y otra que puede desanimar y derrotarnos. A pesar de que están las fuerzas negativas, puede también verse como liberadora. Todo depende de cómo decidamos emplearla. Puede por ejemplo ser liberadora si la enfocamos en que máquinas hagan el trabajo mecánico para dejar a los hombres dedicar su tiempo en otras cosas. Se puede hacer sin privar a gente de trabajo si se hace dentro de un sistema que educa a las personas que normalmente harían estas labores para que puedan aspirar a un trabajo más allá de lo realizable por una máquina.

“Failure of the nerve” es otro punto que Mesthene considera que define nuestra época. Se refiere a que volvemos a ser como los griegos quienes consideraban que no había nada en la naturaleza de la existencia o del hombre que no se pudiera conocer. La mezcla de culturas, entre otras cosas, terminó con esta idea dejando un campo de conocimiento que solo Dios podía determinar. El “failure of the nerve” caracterizaba a hombres que cada vez más se dirigían a Dios para que hiciera por ellos lo que no confiaban que podían hacer por ellos mismos. En este sentido, Mesthene considera que volvemos a tener la confianza de aquellos griegos.

El autor menciona que nos hemos enfocado en desarrollar la tecnología y no la moral del hombre. Cita a John Dewey quién lo advirtió años atrás: “Hemos mostrado la suficiente inteligencia en el campo físico para crear los nuevos poderosos instrumentos de ciencia y tecnología. No hemos aún tenido la suficiente inteligencia para usar estos instrumentos deliberadamente y sistemáticamente para controlar sus operaciones sociales y consecuencias.

No se trata tanto entonces de que podemos hacer, en realidad sabemos que podemos hacerlo todo. El compromiso al intelecto universal conlleva responsabilidad moral. El verdadero reto está en saber que debemos de hacer.

CULTURA POPULAR CULTURA DE MASAS

CULTURA POPULAR CULTURA DE MASAS
Amalia Signorelli

En su texto, Amalia Signorelli cuestiona la existencia de una cultura de masas y si ésta puede en dado caso suplantar a la cultura popular.
Plantea al ciudadano global portador y partícipe de la cultura de masas y advierte sobre el perfil específico que tiene este ciudadano. Es aquel acreedor de un modesto bienestar; no pertenece a una tradición que lo vincule a algún lugar y lo mantenga arraigado a tradiciones; es escolarizado, aunque su educación es mediocre; y mantiene una relación con los medios masivos (especialmente la televisión) de quienes extrae la mayoría de su sistema de significados.

Para definir la cultura de masas plantea la dicotomía que representa, al por un lado ser una imposición de una cultura dominante, pero por el otro libera del aislamiento. Se plantea dos hipótesis para explicar si la cultura de masas es negativa o positiva.

Por un lado advierte que la cultura de masas es culpable de la homologación y de que así se hayan ido perdiendo características distintivas de las diferentes culturas. No considera que sea buena ya que sustituye los bienes tradicionales, imponiendo una cultura prefabricada que empobrece las tradiciones al mismo tiempo que puede ser utilizada como un instrumento de dominación.
Su segunda hipótesis se opone a la anterior. Considera a la cultura local como auténtica, liberadora y autónoma.

La autora desecha ambas hipótesis porque las considera que no analizan ningún fundamento estructural. Signorelli tiene otra propuesta para acercarnos a la cultura popular y cultura de masas. Dice que hay que partir de la base estructural donde surge el conflicto entre ellas. Lo hace a partir de Gramsci quien liga las diferencias culturales (entre cultura popular y cultura de masas) a las relaciones entre clase popular y clase subalterna. Al hacer esto interpreta las distinciones entre las clases o culturas como producto e instrumento de la estructura clasista de la sociedad. Para hacer este tipo de análisis, primero hay que entender que no existen grupos aislados o semi-aislados.

La integración de los grupos no implica la ampliación de una cultura. No es una cultura que integra a las culturas, en realidad todas las culturas se integran en un sistema de dominación centralizado. Hay casos en donde la integración se da imponiendo una cultura utilizando la fuerza.

Así, por un lado hay un estímulo a la homologación y por el otro hay demandas de diversificación. Entre estos estímulos hay tensión. Esa tensión caracteriza a la sociedad de masas.

La cultura de masas puede convivir con las culturas locales, no necesariamente acaba con ellas porque existe una relación entre las dos. Como la teoría de Gramsci que menciono anteriormente, no podemos definir a las dos culturas por oposición ni por un principio de dominio. Para hacer el análisis de relación hay que dividirlas en culturas hegemónicas y las subalternas. No hay sentido en decir que una cultura es dominante cuando es la cultura de las clases dominantes.

El derecho a la diferencia

EL DERECHO A LA DIFERENCIA
Victoria Camps

La declaración de los Derechos del Hombre y del Ciudadano de 1789 estableció la igualdad básica de todos los humanos y las libertades políticas. La intención era noble pero no necesariamente incluyente. La teoría crítica la refutaría más adelante argumentando que si todos los hombres tenían que ser iguales, forzosamente se impone un modelo (el de occidente) sobre los demás tipos de hombres. Por ello 200 años después una declaración que valora “las diferencias particulares” es de tanta importancia y aparece después de que fueron aceptados los derechos anteriores y como una respuesta al mismo decreto.

Camps propone enfrentarse a la diversidad. Dice que la ética tiene que ser universal y que tiene que haber un derecho a la diferencia. Este derecho tiene que convivir con el liberalismo que, contrario a lo que piensan los relativistas, pretende homogeneizar en términos de derechos.

Los derechos humanos son universales y en la mayoría de los casos compatibles con la diferencia.

La propuesta de Camps es que hay derechos universales que no se pueden poner en tela de juicio. Los usos y costumbres no pueden contradecir los principios universales de los derechos humanos. Señala que hoy la ética se trata de la justicia y que sólo hay una. Es un bien transcultural, es el reconocimiento y respeto de la dignidad de cada uno, a su integridad, y el rechazo al dominio y la violencia.

La base es la Declaración Universal (a pesar de sus fallas) nos ayuda a ver de dónde venimos para construir un ideal de humanidad. Las diferencias tienen que ser defendidas siempre y cuando se conserven la justicia y dignidad. La historia nos ayuda a evitar cometer los mismos errores.

La universalidad nos obliga a respetar otras ideas y costumbres, y a castigar y reprimir las violaciones de estos derechos.

La cultura de occidente liberal se ha convertido en una cultura de masas, que lejos de llevar a las masas a la alta cultura, la convirtió en una de entretenimiento. Para Camps, la diferencia es lo que enriquece la cultura de masas.

La justicia es universal, solo hay una, mientras que los bienes humanos son múltiples. No se trata de defender y favorecer las mismas cosas para todos mientras se sacrifican las valiosas diferencias. El asunto está en que las diferencia de los bienes humanos deben de ser compatibles con lo que es justamente legislable. Así se establecen los derechos reales. Los bienes que no afecten a la justicia nunca serán condenados gracias al derecho a la diferencia.

El problema fundamental de la justicia es la ética. La justicia se construye a partir de lo que los humanos consideran como bueno. Los conflictos se apelan a la ética. Hoy, los valores culturales no se miden por los valores éticos sino por los cánones de la cultura de masas. Una cultura en cierto modo desvirtuada que se basa en el entretenimiento a costo de bajos criterios.

Tendemos hacia la homogeneización, la cultura de masas la ha propagado. Hay aspectos de la homogeneización que hay que defender, ya que es un factor que permite la comunicación sin la cual no podría existir la confrontación de opiniones. Sin embargo, Camps advierte que es importante que no todo sea homogéneo. Cultivar las diferencias culturales es una forma de hacer frente a la modernización, de compensar los defectos que ha traído. Si todo fuera igual o tendría punto discernir o juzgar. Para que funcione el diálogo tienen que haber desacuerdos.

EL CONCEPTO DE CULTURA EN LA TRADICIÓN ANTROPOLÓGICA

EL CONCEPTO DE CULTURA EN LA TRADICIÓN ANTROPOLÓGICA
Pietro Rossi

El concepto cultura ha evolucionado con el paso del tiempo. El término científico de cultura nace con la antropología que tomaba su sentido de origen de las culturas europeas.
Tylor explicaba la evolución humana como un desarrollo unilineal. Todos inician siendo una cultura primitiva que en un determinado momento llega a ser una cultura desarrollada, civilizada. Para Tylor, todos siguen el mismo camino de progreso, van avanzando en las etapas de desarrollo cultural.
Bajo esta idea cambia el paradigma. Si todas las civilizaciones empezaron en el mismo lugar, entonces la europea (tan desarrollada) había sido en un momento primitiva. Gracias a esta idea el concepto de cultura se amplió.
Boas Rechazó esta idea de desarrollo unilateral. Aunque el inicio fuera el mismo para todos, el desarrollo no tenía que ser el mismo. Consideraba que cada cultura debía estudiarse por si sola y dentro de su contexto. Así, las condiciones geográficas o naturales no necesariamente determinan a la cultura. La cultura es algo que se aprende y por ello la dimensión social es un factor importante.
Kroeber, quien fue seguidor de la escuela de Boas, consideraba que la dimensión social no tenía tanta importancia. Para él la cultura va más allá de la base biológica, psicológica o social. La cultura surge según las necesidades porque busca satisfacerlas.
Malinovski, perteneciente a la escuela funcionalista, consideraba que las instituciones eran fundamentales para estudiar la cultura. Sociedad y cultura son distintas pero correspondientes. Las instituciones son sociales pero conforman la cultura. Se trata de un intento por satisfacer las necesidades inherentes de la naturaleza humana. Cada cultura satisface estas necesidades individualmente; y siendo que las instituciones definen a la cultura, cada institución debe de ser estudiada por separado.
Sumner propuso estudiar la cultura a través de los patrones de comportamiento convencional en una sociedad (folkways) y es Murdock quien desarrolla más ésta teoría. Dado que las necesidades biológicas no determinan las resoluciones del hombre, la cultura se define por los hábitos de grupo. Lo importante está entonces en observar como surgen dichos hábitos. Una comunidad tiene una necesidad que es satisfecha por medio de un hábito. Establecido el hábito, la comunidad orilla a sus miembros a seguirlo por medio de condicionamientos que se convierten en costumbres. Éstas pueden mantenerse con los años a pesar de que no se conserve el motivo por el cual surgió.
La cultura es un proceso que se va adaptando a las necesidades humanas. Es un conjunto de formas de vida que sirven como modos de comportamiento donde cada grupo adapta su sistema de valores. Su análisis ha dejado de entenderse como se hacía antes. Los hábitos han perdido importancia con respecto a los modelos de comportamiento a los que una comunidad da validez.
Rossi rescata que la distinción entre antropología y sociología se ha vuelto más problemática porque ambas disciplinas están cada vez más cercanas. La cultura ya no se estudia desde la antropología, sino cada vez más desde la sociología.

La Economía de la cultura

La Economía de la cultura
Hugues de Varine

La cultura se ha convertido en un sector de la economía y un factor de desarrollo. Cito a De Varine, “Exceptuando los casos de guerra, la emigración nace de la incapacidad de aportar soluciones culturales a los propios problemas en el propio medio ambiente.” En otro sentido, creo que el desarrollo en el ámbito cultural puede traer consigo oportunidades de desarrollo social.
La forma de entender las diversas sociedades también ha cambiado. Mientras antes el pensamiento ilustrado favorecía la unificación de líneas de pensamiento y culturas, hoy el pensamiento está más bien orientado a enriquecerse por la diversidad. Estados Unidos, nación líder, representa perfectamente la manera en que sociedades heterogéneas se vuelven homogéneas. Se mezclan personas de diferentes culturas, raza y religión para construir una sociedad multi-étnica.
De Varine considera a los fenómenos culturales como concéntricos y los divide en 3 categorías:
1. La alta cultura que está al servicio de la burguesía. Es la cultura de prestigio.
2. Los elementos culturales tolerados. Son manifestaciones un tanto primitivas, populares, marginales o fenómenos anormales. Estos son absorbidos y van a la alta cultura.
3. Círculo de intolerancia. Aquí se reagrupa sin discriminación todo lo que excluye la alta cultura.

Hugues de Varine advierte que “el movimiento creador ha sido exterminado en menos de 500 años mediante la integración de la cultura de los ricos de occidente.”
La alta cultura, que es la esfera dominante, decide cuales son las culturas que puede admitir y cuales hay que dejar fuera. Las que acepta las adapta y hace suyas. Les quita así su valor original para convertirlas en un producto de consumo, listo para servir como un objeto de identificación para el ser humano.

Imagen: Fragmento de Cuadrados con círculos concéntrico de Wassily Kandinsky

¿Por qué filosofía?

¿Por qué filosofía?
Xavier Rubert De Ventós

3. Entre el lenguaje y las frases hechas
4. Hacia la moral y la filosofía

Hablar una lengua es una manera de ver el mundo, a través de nuestra capacidad de expresarlo en un idioma. Es una manera de ver el mundo a través de teorías porque hablar una lengua es una forma de incorporar una teoría, aunque no necesariamente nos demos cuenta. Asi, De Ventós plantea la idea de detenernos ante las frases hechas, de ponerles atención para hacer consciencia de la carga cultural que viene con las frases que empleamos.
Cada frase refleja una forma de ver el mundo. Traducir una lengua a otra es muy complicado, no es otra cosa que hacer una aproximación de sentidos. Podemos traducir significados pero en ella perdemos ritmos, sonidos, juegos de palabras, etc. La poesía es el evento más dramático de la incapacidad de traducir y de que el lenguaje encasilla, es una visión del mundo. La lengua es la forma en que nos enfrentamos al mundo, es nuestra herramienta para clasificarlo, representarlo. El lenguaje nos encasilla porque es contextual.

En La tarea del traductor, Walter Benjamín explicó que las lenguas no son extrañas entre si; mantienen semejanzas, parentescos que tienen que ver con que cada lengua es original porque ha nombrado las cosas a su manera. Este parentesco solo se pone de manifiesto porque al traducir no se traducen las palabras que pueden parecer huecas, sino que se traduce el significado. Ninguna lengua tiene la verdad total, ninguna es superior a otra o tiene la verdad original. Todas tienen un fragmento de verdad.

De la misma manera, tampoco podemos tener un lenguaje universal. El lenguaje está relacionado con el estado de las cosas, los estados de las cosas varían dependiendo de los contextos. Las personas interpretan además de distintas formas, por lo que aunque compartieran contextos, seguirían sin generar un lenguaje universal.



Es un hecho que inevitablemente las personas son entes limitadas. Las palabras que empleamos reflejan nuestra realidad pero su significado cambia a través del tiempo. Cargan contexto y las vamos adaptando según este. Su estructura influye mucho en la forma en que nos relacionamos con el mundo. Por lo mismo clavarnos en el origen de las palabras no es lo más acertado, hay que entender los cambios que han sufrido. Las palabras son como un arma de doble filo, el uso que les otorgamos puede limitarnos pero también proyectarnos. Es un medio para conocer y comunicarnos pero también nos limita. No nos enseña todo ni nos permite comunicarlo todo. Hay cosas, como los sentimientos, que nos son casi imposibles de expresar con exactitud. Este puede ser un factor que influya en que el lenguaje está vivo, se inventan palabras y se desarrollan los significados de otras.

Las frases hechas sirven en el estado de las cosas en el que surgieron, bajo ese contexto. Este cambia y pretender entender todo a partir de estas frases es caer en un error porque implicaría aceptarlo como tal, quedarnos con esa teoría. Surgen situaciones nuevas y hay que transformarse para enfrentarlas con teorías nuevas. Se hace filosofía cuando no funcionan las teorías, cuando necesitamos buscar nuevas explicaciones. Las paradojas nos hacen replantearnos las teorías.

Para De Ventós, filosofar es buscar la otra cara de las cosa que generalmente está en la evidencia misma, que está en los esquemas que a la vez nos encierran (el lenguaje, la psicología). Hacer filosofía no es aceptar los cambios de perspectiva, es buscarlos, aunque esto ponga en crisis nuestras convicciones o nuestras creencias más arraigadas. Ser moral y responsable no es exaltar las decisiones que tomamos, sino aceptar, entender y respetar las decisiones que no tomamos. Lo importante es aceptar que no sabemos todo, el que pretende hacerlo termina por cerrarse al mismo entendimiento.

¿Por qué flosofía? I y 2

Xavier Rubert De Ventós, ¿Por qué filosofía?
Capítulos:
1. De la importancia de no verlo claro
2. Desde la percepción y las imágenes.

El libro se aproxima a la idea de cómo todos filosofamos al dudar, al no estar satisfechos con las explicaciones del funcionar de las cosas que nos han dado. De esta manera filosofar es estar inconforme.
Es importante no entender por completo las cosas. No verlo claro, porque esa falta de claridad implica que le vamos a dar vueltas a las cosas, buscarle una explicación o justificación.
Por el otro lado, aquello que no nos importa, no cuestionamos. Como nos importa poco asumimos que ya los sabemos. Cuando no estamos interesados evitamos tenernos que dar cuenta de todo lo que ignoramos al respecto. El que pretende entender todas las cosas es el que no está informado.
De Ventós liga nuestra necesidad por saberlo todo y explicarlo todo a la neurosis y a que aún somos seres primitivos. Esta necesidad de interpretar y conocer todo no refleja nuestra búsqueda por conocimiento sino nuestra necesidad de apaciguamiento. Entenderlo todo nos permite controlar y de esta forma poder estar tranquilos. Sin embargo, es aceptar que no sabemos todo lo que nos hace libres.
Para filosofar hay que aceptar que no vemos las cosas claras, no pretender saber todo, atreverse a no saberlo todo. La filosofía duda. Filosofar es desconfiar de las explicaciones que nos dan tranquilidad, es ir más allá.
Actualmente todos tenemos un poco más de filósofos. Mientras antes nos preguntábamos por cómo hacer una cosa, hoy preguntamos qué son esas cosas.
Las ideas preconcebidas con las que hemos crecido, más allá de revelarnos la verdad, colocan sobre nuestros ojos un velo de ignorancia. Estas ideas en realidad nos limitan, y aunque tengamos que ver la vida con presuposiciones, el error está en conformarse con ellas. Por lo mismo, a veces lo que creemos o queremos ver no nos deja identificar o valorar las cosas que tenemos frente a nosotros. Tener una idea preconcebida nos predispone, por lo que a veces para entender algo tenemos que olvidar lo que queremos saber.

Un verdadero libro

“A real book is not one we read, but one that reads us.”

-W.H. Auden, poeta (1907 – 1973)

Somos seres de historias. Nos encanta ser espectadores de relatos ajenos a los nuestros; y no me refiero a encantar en términos de gustar, sino a un encantamiento en un sentido mágico, de esos que arrebatan.

Nos apropiamos de las historias a las que nos acercamos, convirtiéndolas en extensiones de una realidad propia. Vivimos lo que sabemos imposible a través de estas apropiaciones momentáneas y por medio de personajes con nombre pero sin rostro.

Por ello un verdadero libro nos lee a nosotros, sabe de esa necesidad por vivir diferentes circunstancias a través de la imaginación. Tomamos los discursos que nos aporta un libro y los descontextualizamos para adaptarlos en formas que incrementan nuestro sentido.

Subrayamos diálogos enteros esperando surja en nuestra vida la situación perfecta para reproducirlos. Memorizamos conversaciones de personajes que son universales porque al estar en un libro que te lee a ti son versátiles, tienen características que se vuelven específicas porque cada lector le acuñe una propia y por lo mismo distinta.

Un verdadero libro entiende las necesidades más humanas y las relata, por eso nos termina leyendo a nosotros.

Arte que reta

Trabaja sigilosamente y por lo general durante las madrugadas, normalmente el grafiti es considerado como un crimen, vandalismo puro, símbolo de decadencia en una sociedad, y un acto que ataca contra el orden y la estética de una ciudad.

Así lo ven también voceros de la organización Keep Britan Tidy (subsidiada en parte por el gobierno del Reino Unido, esta campaña británica que existe desde los años cincuenta se enfoca en temas de basura y contaminación urbana), quienes temen que el arte urbano callejero de Banksy glorifique aquello que en esencia es vandalismo.

Banksy, por su seudónimo, ha marcado desde hace diez años las paredes de ciudades alrededor del mundo (entre ellas Londres, Nueva York, Barcelona y la Ciudad de México) con imágenes satíricas enfocadas a la política, la cultura popular y la ética.

Apoyándose de esténciles pinta en los lugares donde menos debería hacerlo, desde ratas apoderándose de ciudades, niñas abrazando cariñosamente misiles o policías orinando en las calles.

Se trata de un artista crítico, de ingenio y talento que debe parte de su éxito al misterio que guarda su imagen; nadie lo ha visto. Aquellos que lo han entrevistado ni siquiera están seguros de que fue con el con quien dialogaron. Sin embargo, desde el 2003 ha ido construyendo fama alrededor del mundo, fanáticos caminan sin rumbo las calles de Londres con la excusa de correr con suerte y encontrarlo grafiteando.

Su trabajo se conoce principalmente por su circulación en Internet, sus obras son transitorias, en cuestión de horas son eliminadas por personas poco tolerantes del grafiti; eso, y debido a que por controvertidas ponen más de un par de pelos de punta.

Su argumento, que su trabajo es la forma más honesta de hacer arte que existe, no es elitista ni requiere de adulaciones. Los que realmente desfiguran las ciudades son las compañías que imponen sus enormes anuncios publicitarios, haciéndonos sentir inadecuados si no compramos lo que ofrecen.

Para el artista Inglés aquellos que gobiernan las ciudades no entienden el grafiti porque piensan que lo que no implica una ganancia, no debe existir.

En la imagen un hombre desnudo cuelga de una ventana mientras un esposo celoso se asoma a la calle y la esposa culpable espera. Hecha por Banksy en la pared de un edificio de gobierno en Bristol, Inglaterra. Apoyando peticiones populares (el 97% votó por que lo dejaran), el gobierno de la ciudad decidió que permaneciera ahí.

Objeto

Lapislázuli, pero no en columnas de palacios majestuosos en San Petesburgo o en esplendorosas catedrales de Europa del Este. Tampoco en un amuleto como lo habría sido en el antiguo Egipto, ni será demolida y convertida en polvo para ser utilizado como pigmento azul en la Europa Medieval. Mucho menos una joya más, aunque un material tan sublime, hoy, seguro adornaría largos y elegantes cuellos.

En esta ocasión, de la piedra semipreciosa emerge un rostro vaporoso y casi incidental. Es la cabeza de un niño, casi de un pájaro hecho de roca donde toda decoloración, grieta o abolladura accidental, asemejan cascadas espumosas o cielos del color de un óleo de Fra Angelico.

La piedra explotada ya por más de 6 mil años se deja vencer, es cincelada y modelada y entre sus remolinos surge una idea que como en el poema de Keats, Lapis lázuli1, nos ayuda a encontrar tranquilidad en medio del caos.

Intereses cruzados. Bandamax

Con un acento semi-norteño fingido, los conductores de Bandamax se refieren sin piedad a su público como la raza. Bandamax sirve pues, como una plataforma para sus poco genuinos conductores que en realidad quieren ser actores de telenovelas y estrellas del medio artístico.
El público principal de Bandamax es específico, generalmente viven vinculados entre Estados Unidos y la República Mexicana, tienen contratada alguna compañía de cable que transmita el canal y un gusto en común: gozan de la música que va desde el género grupero hasta el sierreño. El público utiliza al canal como un vínculo, un medio con el que se identifican y se benefician al usarlo para brincar la frontera; desde dedicatorias de canciones, denuncias (en alguna ocasión una mujer habló para declarar que su ex novio le había robado su celular, se encargó de que se nombrara al “ladrón” en televisión para que todos los que vieran el programa lo reconocieran), mensajes de texto por celular, declaraciones, confesiones; todo con la ventaja de ser transmitido al aire y en ambos países vecinos. Llamar por teléfono a conocidos pierde sentido cuando existe la oportunidad de trascender por medio de la televisión y matar dos pájaros de un escopetazo, comunicarte y gozar por un par de segundos de fama.
Se trata pues de un canal de contrastes con toques surrealistas. Las mujeres siguen un esquema: ombligueras, negligés, encajes, seda, pelo suelto, ropa apretada (cuando la hay), todas jóvenes y guapas.
La especie femenina, a pesar de sus diversidades, es físicamente generalizada dentro de una Ninel Conde. Los hombres, representados por un bigote, pantalón vaquero, botas, sombrero, estoperoles (similares a los que en alguna ocasión utilizó Elvis) y cinturón ajustado por una enorme hebilla, son los apoderados de la mayoría de los videos musicales que Bandamax transmite. Los integrantes de estas bandas suelen utilizar uniformes al tocar, al mismo tiempo que encarnan sutiles coreografías, asunto común en este canal, pero cosa extraordinaria en el resto de la escena musical. Los uniformes y los bailes son parte de su identidad y colectividad, como hay equipos de fútbol, los hay en la música de banda.
El canal producido por Televisa se abastece de contenidos delirantes:
1. Los videos de los artistas que promueven siguen al igual que sus canciones un esquema narrativo, donde las imágenes reseñan fielmente la letra de las canciones.
2. Los nombres de dichas bandas no son asuntos que deban pasarse por alto; El Chapo de Sinaloa, Aarón y su grupo Ilusión, La Arrolladora Banda Limón, Intocable; son seudónimos meticulosos, atinados y llenos de folclor, que no solo revelan una ligera idea de los temas sobre los que habla su música, sino que incluso hablan de situaciones personales y las búsquedas constantes de cada músico. Junto con este fenómeno, la música se convierte también en un factor rescatable.
3. En la música de banda no hay un límite de integrantes que conformen su grupo. Sin restringirse por el género que toquen pueden llegar a ser más ser 20, dando forma así a un equipo donde cada integrante toca con orgullo su instrumento, sin importar que no sea más que una simple sonaja.
Norteñas, quebraditas, música tex-mex, son géneros de canciones que agradan lo suficiente al público para en ocasiones ser nominadas para Grammys Latinos (Montez de Durango, en el caso del presente año). Mientras los músicos que expone Bandamax muestran un lado sentimental, amoroso y pasional, los conductores que los guían se cruzan para promover algo más personal que las colectivas emociones que produce la música. Lo más probable es que sus carreras artísticas apenas estén por despegar Después de todo, el canal donde no hay espacio para anuncios, lo produce Televisa, quizá existan otros intereses por parte de la cadena reina de las telenovelas.

RENÉ BURRI, UN MUNDO

Correr con la suerte de estar en el lugar correcto en el momento indicado es un factor sustancial para lograr que una fotografía sea más que básica. La fortuna y el talento ayudaron a que crear a uno de los mejores fotógrafos del siglo XX.
Se trata de René Burri, el fotógrafo Suizo que inmortalizó al Che Guevara en 1963. Con su trabajo ayudó a convertir al revolucionario cubano en una leyenda. Sus fotografías, que a pesar de captar un solo instante, muestran a un Che que sigue vivo, que da la impresión de moverse, de sutilmente respirar.
Burri nunca pensó que se convertiría en periodista, sin embargo captar los momentos más relevantes de la segunda mitad del siglo veinte lo colocó entre los 10 mejores fotógrafos del pasado siglo.
Temprano en su carrera fue invitado a colaborar por la agencia Mágnum, sus imágenes mostraban un fotoperiodismo humanista al que pocos estaban acostumbrados en esa época. La calidad de sus fotos era evidente y al poco tiempo fueron publicadas en la revista Life.
Su primera fotografía fue a Winston Churchill, más adelante captó el Guernica de Picasso durante una exposición en Milan. Su carrera despegó y el viajó alrededor del mundo como corresponsal de la agencia Mágnum. Visitó Checoslovaquia, Egipto, Irak, Jordania, Líbano, Turquia, Siria, Italia, Francia España, Grecia, México, entre otros, donde atestiguo importantes eventos políticos y sociales. Fotografió a sobresalientes personajes como Ingrid Bergman, Maria Callas, Le Corbusier, Jean Renoir, Giacometti, Akira Kurosawa, Gabriel García Márquez, etc. A Picasso lo retrato en su cuarto de hotel, durante una cena, en una corida de toros, rodeado de niños y con su tradicional playera rayada, cautivo la esencia del trascendental pintor.
El movimiento de la nueva objetividad promovido durante los años veinte influyó en Burri, el hombre fue el centro de su pensamiento. En su obra descubre la personalidad y lleva las situaciones más allá de lo político y social. Para el, la fotografía es un medio de expresión personal donde las imágenes que genera están profundamente ligadas a el y reflejan sus propios intereses. Su trabajo lo llevo a recorrer el mundo, y con sus imágenes transmitir a la humanidad las emociones, alteraciones y bellezas del plantea sin olvidar las guerras y atrocidades que este también ha sufrido.
El Antiguo Colegio de San Ildefonso presenta como parte de la Gira latinoamericana de la gran retrospectiva: René Burri. Un mundo.
Por primera vez en México se exhibe, a lo largo de 9 salas y con más de 350 imágenes, la obra del fotógrafo con reputación internacional. La exposición presenta un recorrido a través de los temas que abarca la obra de Burri, desde sus primeras fotografías, hasta las guerras, personajes y eventos que fueron formando el mundo. La Guerra de los Seis Días, el conflicto libanés, Vietnam, la China de Mao Tse Tung, la crisis de Suez, México en el 68…
Muchas de las imágenes que se exponen son impresiones originales de la época en que fueron tomadas.
La fotografía de autor de Burrí atestiguo numerosos sucesos mundiales, sus fotografías son una ventana al mundo y el fotógrafo de 74 años vive para contarlo.
De manera adicional a la exposición, el Antiguo Colegio de San Ildefonso invita al público a participar retratando como un fotoperiodista aquello que asombra en la vida cotidiana. Para mayores informes visitar www.sanildefonso.org.mx y enviar imágenes a galeriavirtual@gmail.com

René Burri. Un mundo
se presenta hasta el 13 de enero 
Justo Sierra 16, Centro Histórico.
Martes a domingo de 10 a 17:30 horas.
Acceso $35.00 

Estudiantes credencial vigente $17.50
Martes entrada libre.

M.I.A

Kala
(XL Recordings, 2007)
http://www.miauk.com/

por Isabel Gil

El mensaje de Make trade fair que promueve el comercio justo entre gobiernos, instituciones y corporaciones multinacionales repetido por Chris Martin, y DATA, la organización de Bono que lucha contra el Sida, son importantes acciones en pro de la sociedad global, sin embargo Maya Arulpragasam prefiere hacer este tipo de actos a su manera. El medio es su música que, tatuada de agresivas declaraciones, reta al status quo mientras defiende al tercer mundo. Su obra tan personal y marcada de discursos políticos (en ella lo político es personal) es un arma que encara las bases éticas, cuestiona los sistemas y desafía los límites de la expresión.
Maya a/k/a M.I.A, nombre que ella adopta haciendo referencia a los soldados perdidos en combate, es hija de un militante Tamil de la guerra revolucionaria en Sri Lanka. Refugiada desde su infancia en Londres y expuesta a la particular escena musical de rap y hip-hop de los ochenta, ha evolucionado a convertirse en una activista que oculta bajo una mezcla de ritmos contagiosos y agradables, vívidas imágenes de guerra, dinero, migración y poder que cuestionan el curso de nuestros valores.
M.I.A no es cualquier artista pop que en sus videos musicales abuse del maquillaje y la tecnología para presumir su “insuperable” aspecto físico. En sus presentaciones relega las coreografías complicadas y las actuaciones sobre-estudiadas para crear videos como “Sunshowers”, que sin ser grosero o explícito fue censurado por mencionar a la Organización para la Liberación Palestina (like PLO don´t surrendo).
A pesar de ser menos ambicioso por seguir a su obra prima, en Kala, su reciente producción musical, M.I.A refuerza su estilo característico con el que vulnera los lugares cómodos y genera provocativas controversias. Un híbrido de ritmos de hip hop, reggaetón y pop que se completa con voces inocentes de niños tercermundistas víctimas de las presiones de un primer mundo y contraposiciones musicales de ruidos de tanques, coches, balas y máquinas registradoras. Los atinados y poco convencionales versos que acompañan su métrica, son palabras que por coloquiales corren el riesgo de perder peso si no son escuchadas con atención. “Boyz”, es un canto a los nuevos warlords antes que otra canción pegajosa.
El resultado es más que un álbum ruidoso, sarcástico y determinado concebido por una artista que se acerca cada vez más a ser la Banksy de la industria musical. M.I.A, imposible de estereotipar, inconforme y subversiva aparece como una vocera electa por minorías y audiencias internacionales. Su mensaje… La esencia del tercer mundo pierde su valor con el contagio y la imposición.

EL MISTERIO DE LA LUZ

Vidrio Mexicano
Dice el famoso refrán: “En este mundo traidor nada es verdad nada es mentira. Todo es según el color del cristal con que se mira”. Puede o no ser cierto, lo que si es un hecho es que el cristal, el vidrio forma parte de nuestro pasar cotidiano, estamos acostumbrados a relacionarnos con el. Pero que tanto sabemos del vidrio o de sus orígenes. Los usos que se le dan van más allá de lo que imaginamos, no se usa solo para copas, vasos, botellas y focos.
El Museo de Arte Popular presenta la exposición “El misterio de la luz” vidrio mexicano. Es una muestra original y diferente a las que normalmente se exponen en museos. Es una exposición que abarca desde objetos comunes y artesanías hasta el arte como un medio de expresión, todo basándose en un material conocido por todos, el vidrio.
La muestra está compuesta de alrededor de 400 piezas, todas hechas de vidrio. Un material que por su trasparencia nada esconde pero por sus infinitas posibilidades definitivamente sorprende. “El misterio de la luz” nos acerca también a los usos que se le ha dado al vidrio, un material que lleva existiendo desde hace más de 3,500 años Es una exposición llena de color y de posibilidades, donde el material que se usa no limita la creatividad de los creadores. Se pueden ver desde canicas hasta unos caleidoscopios increíbles, y esto demuestra que no todo lo que se hace de vidrio es frágil, o un adorno aburrido.
“El misterio de la luz” se encuentra en el Museo de Arte Popular hasta el 30 de septiembre. Está abierto de martes a domingo de 10:00 de la mañana a 5:00 de la tarde y le entrada es libre. Está ubicado en la calle de Revillagigedo y esquina con Independencia en el Centro Histórico. En metro la parada más cercana es Bellas Artes.

http://www.map.org.mx/
Tel. 55 21 29 21 

amigosmap@aol.com

GUILLERMO KAHLO Y HENRY GREENWOOD PEABODY

DOS MIRADAS A LA ARQUITECTURA MONUMENTAL

No es nuevo que el trabajo mexicano se admire alrededor del mundo antes que en México. En 1901 se publicó en Estados Unidos un libro titulado, Spanish Colonial Architecture in Mexico. En el, Henry Greenwood Peabody, un fotógrafo originario de este país resaltaba con sus imágenes la riqueza del legado español en México. Estados Unidos veía el gran valor de las construcciones mientras que en México lo que interesaba era lo internacional. Las fotografías de Peabody admiraban los monumentos que poco a poco se deterioraban. Entretanto, en México eran considerados como los restos de un mundo que había quedado atrás. Según los razonamientos de la época (finales del siglo XIX), había que borrar el mundo novohispano extinto, incluso de la memoria, para poder convertirnos en un país moderno. Cuando llegó el libro mencionado a México, la obra apasionó al entonces presidente Porfirio Díaz, a sus ministros y a la alta sociedad mexicana. La sensación generada hizo ver la magnitud de las construcciones que hasta ese momento devaluaban. Guillermos Kahlo, alemán establecido en México y uno de los precursores de la fotografía en México, fue encomendado para capturar los templos más destacados del país con el fin de rescatarlos del olvido.
Las imágenes capturadas por ambos fotógrafos quedan como prueba del México que heredamos. Fotografías así nos hacen también reflexionar sobre nuestra historia y la forma en que estamos preservando lo que físicamente la representa. Las construcciones fotografiadas son una huella de nuestra historia y por lo tanto de la identidad nacional, lo que queda de aquello que en algún momento fue primordial.
La obra de ambos fotógrafos originarios de distintos países puede ser comparada, sin embargo no necesariamente destaca una sobre la otra. Sin importar que de repente retrataran un mismo monumento, cada uno tenía una diferente intención a la hora de hacerlo. Al estadounidense no le interesaba aislar las obras arquitectónicas con el fin de adornar una composición, buscaba exhibir el abandono en que se encontraban las increíbles obras novohispanas. El padre de Frida Kahlo usaba la luz para guiar al espectador alrededor de cada construcción. En sus fotografías genera imágenes abstractas que muestran la belleza de cada monumento. Las fotografías de Peabody son polvosas y misteriosas mientras que las de Kahlo tienen más vida y color.
La obra de ambos encarna un vasto registro de las iglesias de México, al mismo tiempo que le ceden un enorme valor a nuestra herencia arquitectónica.
La muestra está compuesta por alrededor de 120 fotografías pertenecientes a un acervo de aproximadamente 500. Se exponen imágenes de Peabody que nunca antes habían sido vistas en México. Resaltan fotografías de la Catedral Metropolitana, el templo de Coyoacán, San Ildefonso y la Casa de los Azulejos.
La exposición es un encuentro de perspectivas con distintos antecedentes que en su momento enfrentaron a un país que se inclinaba por desaparecer la obra que ellos fotografiaban. Acércate a reconocer las múltiples diferencias personalmente.
La Exposición Guillermo Kahlo y Henry Greenwood Peabody, Dos miradas a la arquitectura monumental se presenta hasta el 27 de enero del 2008 en el Antiguo Colegio de San Ildefonso ubicado en Justo Sierra 16 del Centro Histórico de la Ciudad de México.
Martes a domingo, de 10:00 a 18:00 hrs.
Exposiciones temporales $35.00
Estudiantes y maestros con credencial vigente $17.50
Martes, entrada libre general
Mayores informes al 57 02 45 07.

LUZ DE ESPAÑA

Otra manera de viajar y conocer el mundo es a través del arte. Luz de España, es una exposición temporal que se presenta en el MUNAL como parte del XXV aniversario del museo y que surge como una oportunidad para desplazarse, a pesar de que no sea físicamente, al país europeo de los pasados siglos.
Por primera vez en México, se muestra un conjunto de 82 óleos pertenecientes a una de las más significativas colecciones de arte Español. La Hispanic Society of America es una de las instituciones de cultura española más relevantes del mundo. Su colección abarca diferentes aspectos de la historia ibérica y alberga, entre otras cosas, alrededor de 800 lienzos que engloban desde el siglo XVII hasta el siglo XX. Es una fundación que solo adquiere obras en el mercado fuera de la península ibérica, para no atentar contra el patrimonio español.
La exposición, que después se presentará en otros países latinoamericanos, es una de las más grandes que se han mostrado en nuestro país sobre pintura española. La exhibición se divide en seis secciones:
“Entre majas y mozos” donde resaltan las tradiciones ibéricas y majas orgullosas que se ventilan con elegantes abanicos representados por artistas como Ignacio Zuloaga y Fernando Álvarez de Sotomayor. La segunda parte, “Escenas de lo inmediato”, es una visión a la vida cotidiana del siglo XIX. El tercer bloque, “Tesoros del paisaje”, escenifica obras arquitectónicas que se adhieren a paisajes del territorio español en contraste con “España entera”, una sección de paisajes naturales. “Las líneas del retrato”, el fragmento que une retratos de importantes personajes de la historia, el arte y la literatura personificados por grandes pintores como Francisco de Goya. El último tramo de la exposición titulado “Sorolla. Transformaciones lumínicas”, dedicada a más de 10 cuadros que engloban el trabajo del sobresaliente pintor, Joaquín Sorolla.
La importante presentación revela pueblos, playas, personajes, paisajes, iglesias, costas, pueblos clásicos, barcos y lugares interpretados por grandes pintores que con su obra trasladan a épocas que ya dejaron de ser, en un país que aún permanece y que mantiene y recuerda mucho de lo que fue.
Luz de España, este recorrido alterno por el pasado español se presenta hasta el 14 de noviembre de este año en el Museo Nacional de Arte.

Tacuba 8, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.
Horario: Martes a domingo de 10:30 a 17:30 horas.
Admisión general: $30.00. Domingos: Entrada libre para todo público. Estudiantes, maestros, miembros del INAPLEN, ICOM, SEPALO con credencial vigente pagan $15.00.
Mayor información: 5130 3400

EL VIAJERO LÚGUBRE, JULIO RUELAS MODERNISTA

1870 - 1907
"La inspiración de Julio Relas complácese en la sombra, en la angustia, en el tormento. Es dantesca por excelencia, viene del infierno, a través de Goya…
Nadie como el ha sabido traducir al dolor, un dolor que eriza los cabellos, que hace pensar en un mundo fantasmagórico de suplicios.”
Amado Nervo


Ser un pintor rebelde, que vulnera las normas de una sociedad cerrada y escandaliza al público de la época, va a resultar en que tu trabajo sea menospreciado, sobre todo si tu obra se enfrentó con el México de Porfirio Díaz. Julio Ruelas fue este tipo de pintor, rompió esquemas por la violencia y críticas oscuras que manejaba en sus pinturas. Muchas de sus obras fueron destruidas por resultar escandalosas.
Originario de Zacatecas, Ruelas fue un fuerte y misterioso representante del modernismo en Latinoamérica. Conmemorando los 100 años de la muerte de este grabador, ilustrador y pintor, el Museo Nacional de Arte presenta la exposición El viajero lúgubre, Julio Ruelas modernista, que destaca su presencia en la Revista Moderna.
A pesar de que no participó en el primer número de la publicación, los escritores de la Revista Modernista encontraron en Ruelas lo que probablemente a todo grupo literario le gustaría tener, alguien que le de una figura gráfica a su obra escrita. Su trabajo fue tan bueno, que incluso muchos de los textos de la revista se realizaron a partir de lo que el dibujaba; así sucedió con un par de poemas escritos por Amado Nervo inspirados en la obra de Ruelas. La revista fundada en 1898 fue censurada añios después, el entonces presidente Porfirio Díaz consideró que sus escritores se habían excedido. Se convierte en la Revista Moderna de México y pierde el peso que inicialmente tuvo. Tras el cierre de la publicación varios colaboradores la abandonan, entre ellos Ruelas quién se traslada a París, sin embargo sus dibujos se continuaron usando en la revista hasta el final.
La exposición reúne tres manifestaciones artísticas del periodo decadentista que vivió Ruelas, la literatura, la música y el arte gráfica. Se exponen más de 100 obras, entre sus principales óleos, colección de grabados, dibujos y ejemplares originales de la Revista Moderna.
El impredecible pintor que solo vivió 36 años logró que su obra fuera excepcional y clave en el movimiento literario modernista. En su obra manejo temas como la fantasía, la nostalgia, las incoherencias, su trabajo fue dedicado, minucioso y cercano a la perfección.
El homenaje que presenta el Museo Nacional de Arte es una excelente oportunidad para acercarse a la obra de este autor. La mayoría de su trabajo pertenece a colecciones privadas, solo el 10% pertenece a museos, lo que hace que su obra sea poco accesible al público.
Julio Ruelas, el viajero lúgubre permanecerá abierta hasta el 28 de octubre en el Museo Nacional de Arte, Tacuba 8 en el Centro Histórico.
Admisión general: $30.00. Domingos: Entrada libre para todo público. Estudiantes con credencial vigente pagan $15.00.
Horarios del museo: de martes a domingo de 10:30 a 5:30
Metro Bellas Artes.

COLOTEPEC

Colotepec significa cerro de la torcedura y es el nombre mixteco del municipio de Santa María, en la costa de Oaxaca. Y aquí la recaudación fiscal es algo permanentemente torcido, rindiéndole honor al nombre del cerro.

Como resultado, el gobierno municipal no cuenta con recursos para brindar los servicios básicos que requieren sus habitantes.

En el pueblo son comunes las tragedias, atestigua un taxista. Cirilo caminaba descalzo sobre la carretera costera. Fue atropellado y murió instantemente. La carretera no cuenta con acotamiento ni alumbrado público.

Domitila de 17 años, a los ocho meses de embarazo perdió su bebé por los insuficientes recursos y falta de preparación que mostraron los médicos del centro de salud que la atendieron.

Nos son casos aislados. Son insuficientes los fondos de los que dispone el gobierno de la localidad para enfrentar estas realidades.

Santa María Colotepec es uno de los 570 municipios que componen al estado de Oaxaca. Su superficie total es de 95,364 km2. La del municipio es de 663.4 km2 y representa el 0.70% en relación al estado.

Zicatela, la playa más conocida en Puerto Escondido y perteneciente al municipio de Colotepec se dinstingue como el tercer mejor lugar en el mundo para surfear. La zona, a su vez, se ha convertido en un popular sitio turístico. Siendo el turismo uno de los principales ingresos para el país, resulta irónico, que Puerto Escondido haya sido entonces declarado por el Programa de Microrregiones de la SEDESOL como una microrregión con un grado de marginación alto.

Según el programa mencionado, “Para ubicar y atender a los territorios con mayores rezagos del país se conformaron Microrregiones, que son espacios geográficos integrados por municipios de Muy Alto o Alto grado de marginación y/o los predominantemente indígenas, de Marginación Relativa.” Agrupar a los municipios en Microrregiones fue un acuerdo de las autoridades estatales que se logró considerando que compartían características ya fueran culturales, económicas o sociales. El Programa reconoce que “muchas de las microrregiones están constituidas por más de un municipio con identidad étnica, cultural y geoeconómica, definidas y consensadas con las autoridades estatales.”

El ll Conteo de Población y Vivienda estableció en el 2005 que en el municipio habitan un total de 19,223 habitantes, de los cuales 1,455 son personas que hablan lengua indígena. Hay 3,882 viviendas de las cuales 3,647 son particulares, estando la mayoría en situaciones lamentables.

Según el ayuntamiento, la cobertura de servicios públicos es de 60% en agua potable y 80% en alumbrado público.

La situación educativa del municipio no es una que favorezca el desarrollo del lugar. En total cuenta con 18 centros educativos la mayoría nombrados después de héroes mexicanos; 6 de ellos son jardines de niños, 8 son primarias, 3 cursos comunitarios y disponen únicamente de una secundaria. Son insuficientes los recursos educativos de la localidad para sus habitantes. Son contados aquellos que terminan la secundaria, requisito obligatorio por parte del gobierno, y comunes los restantes que no saben leer y escribir. Las oportunidades de trabajo considerando los niveles educativos son deplorables. Las posibilidades de desarrollo de la zona son escasas porque están relacionadas con las pobres capacidades educativas de sus habitantes.

La situación en términos de salud a la que se enfrentan los pobladores es una causa reprobable.

Hay únicamente un centro de atención hospitalaria, 7 casas de salud establecidas y 7 mas que son provisionales. Es habitual que los habitantes recurran a métodos alternos a la medicina.

El Güero es vigilante y está encargado de recoger y llevar a los depósitos la basura de los condominios que el cuida. Para poder hacer su trabajo requiere de un coche. En este realizó un viaje de una hora para llevar a su madre enferma a Huatulco. En Santa maría Colotepec no hay un centro de salud que cuente con el equipo preciso que su madre necesitaba para ser curada. Al llegar al hospital de Huatulco fueron informados que ahí tampoco contaban con el equipo vital para salvar la vida de su mamá. Regresaron a Colotepec y como única posible alternativa contrataron a un brujo. Este les dijo que por 9 mil pesos curaría a la señora por medio de una “cirugía sin cicatriz”. La familia de El Güero solo contaba con 6 mil pesos. La “cirugía se realizó y la señora murió la mañana siguiente. El brujo todavía quiere cobrar los 3 mil pesos que restan, argumenta que a pesar del resultado final, el cumplió con su trabajo.

En este sitió es normal también que los negocios, pequeños, característicos de la zona se nieguen a entregar facturas a sus clientes. Una de las vías más comunes de evasión fiscal.

Principalmente por sus playas, es un lugar que ha captado el interés de diversos inversionistas, mexicanos y extranjeros. En los últimos años se han vendido múltiples terrenos con frente de playa o cercanos a ella.

Estos terrenos representan lo que en años pasados el Estado entregó a locales como ejidos. El fin principal siendo que trabajaran estas tierras y pudieran vivir de ellas. Actualmente muchas están abandonadas o son improductivas. No están registradas ante el gobierno municipal porque ello implicaría el pago de un impuesto.

Muchos de los dueños originales de las tierras han decidido vender sus propiedades. Los compradores son inversionistas extranjeros a la región.

Los vendedores desconocen el valor que tienen sus tierras y negocian basados en precios estimados lejanos al alcance real de los terrenos. Cuando se efectúa la compra, hay casos donde los involucrados llegan a un acuerdo en el cual se establece el precio del terreno con el que va a ser registrado ante el municipio. Es uno menos al valor real, de esta manera los impuestos a pagar son reducidos.

Este es el caso específico, pero no único, de Costa Cumaná. El terreno está en el kilómetro 156 de la Carretera Costera que comunica a Puerto Escondido con Huatulco. El dueño local heredó el terreno, y nunca lo utilizó. Se lo vendió, desconociendo su verdadero valor, a Juan Sodi un inversionista originario de la Ciudad de México. El convirtió su propiedad en un fraccionamiento, donde vendió los terrenos a extranjeros interesados en tener una casa en la playa.
Los fraccionamientos fueron registrados según el impuesto que el nuevo dueño esté dispuesto a pagar. Los dueños del lote 13 pagan 4 mil pesos al año de predial. Los propietarios del lote 8 admitieron pagar 900 pesos anuales sobre el mismo impuesto. Ambos terrenos miden los mismos metros cuadrados y cuentan con frente de playa.

El gobierno local no cuenta con servicios para valuar terrenos y este tipo de situaciones. No hay mayor control sobre aquello que se vende y compra o las circunstancias en que se hace. Este hecho facilita otra forma local de evasión fiscal.

El Código Fiscal de la Federación estable que “comete el delito de defraudación fiscal quien con uso de engaños o aprovechamiento de errores, omita total o parcialmente el pago de alguna contribución o obtenga un beneficio indebido con prejuicio del fisco federal”

Los ciudadanos declaran que pagan los menos impuestos posibles porque el gobierno se roba el dinero. Prefieren ahorrarlo y gastarlo en sus necesidades personales. El municipio lo niega pero no se preocupa por demostrar lo contrario. El círculo está ya torcido y frustrado.