Intereses cruzados. Bandamax

Con un acento semi-norteño fingido, los conductores de Bandamax se refieren sin piedad a su público como la raza. Bandamax sirve pues, como una plataforma para sus poco genuinos conductores que en realidad quieren ser actores de telenovelas y estrellas del medio artístico.
El público principal de Bandamax es específico, generalmente viven vinculados entre Estados Unidos y la República Mexicana, tienen contratada alguna compañía de cable que transmita el canal y un gusto en común: gozan de la música que va desde el género grupero hasta el sierreño. El público utiliza al canal como un vínculo, un medio con el que se identifican y se benefician al usarlo para brincar la frontera; desde dedicatorias de canciones, denuncias (en alguna ocasión una mujer habló para declarar que su ex novio le había robado su celular, se encargó de que se nombrara al “ladrón” en televisión para que todos los que vieran el programa lo reconocieran), mensajes de texto por celular, declaraciones, confesiones; todo con la ventaja de ser transmitido al aire y en ambos países vecinos. Llamar por teléfono a conocidos pierde sentido cuando existe la oportunidad de trascender por medio de la televisión y matar dos pájaros de un escopetazo, comunicarte y gozar por un par de segundos de fama.
Se trata pues de un canal de contrastes con toques surrealistas. Las mujeres siguen un esquema: ombligueras, negligés, encajes, seda, pelo suelto, ropa apretada (cuando la hay), todas jóvenes y guapas.
La especie femenina, a pesar de sus diversidades, es físicamente generalizada dentro de una Ninel Conde. Los hombres, representados por un bigote, pantalón vaquero, botas, sombrero, estoperoles (similares a los que en alguna ocasión utilizó Elvis) y cinturón ajustado por una enorme hebilla, son los apoderados de la mayoría de los videos musicales que Bandamax transmite. Los integrantes de estas bandas suelen utilizar uniformes al tocar, al mismo tiempo que encarnan sutiles coreografías, asunto común en este canal, pero cosa extraordinaria en el resto de la escena musical. Los uniformes y los bailes son parte de su identidad y colectividad, como hay equipos de fútbol, los hay en la música de banda.
El canal producido por Televisa se abastece de contenidos delirantes:
1. Los videos de los artistas que promueven siguen al igual que sus canciones un esquema narrativo, donde las imágenes reseñan fielmente la letra de las canciones.
2. Los nombres de dichas bandas no son asuntos que deban pasarse por alto; El Chapo de Sinaloa, Aarón y su grupo Ilusión, La Arrolladora Banda Limón, Intocable; son seudónimos meticulosos, atinados y llenos de folclor, que no solo revelan una ligera idea de los temas sobre los que habla su música, sino que incluso hablan de situaciones personales y las búsquedas constantes de cada músico. Junto con este fenómeno, la música se convierte también en un factor rescatable.
3. En la música de banda no hay un límite de integrantes que conformen su grupo. Sin restringirse por el género que toquen pueden llegar a ser más ser 20, dando forma así a un equipo donde cada integrante toca con orgullo su instrumento, sin importar que no sea más que una simple sonaja.
Norteñas, quebraditas, música tex-mex, son géneros de canciones que agradan lo suficiente al público para en ocasiones ser nominadas para Grammys Latinos (Montez de Durango, en el caso del presente año). Mientras los músicos que expone Bandamax muestran un lado sentimental, amoroso y pasional, los conductores que los guían se cruzan para promover algo más personal que las colectivas emociones que produce la música. Lo más probable es que sus carreras artísticas apenas estén por despegar Después de todo, el canal donde no hay espacio para anuncios, lo produce Televisa, quizá existan otros intereses por parte de la cadena reina de las telenovelas.

RENÉ BURRI, UN MUNDO

Correr con la suerte de estar en el lugar correcto en el momento indicado es un factor sustancial para lograr que una fotografía sea más que básica. La fortuna y el talento ayudaron a que crear a uno de los mejores fotógrafos del siglo XX.
Se trata de René Burri, el fotógrafo Suizo que inmortalizó al Che Guevara en 1963. Con su trabajo ayudó a convertir al revolucionario cubano en una leyenda. Sus fotografías, que a pesar de captar un solo instante, muestran a un Che que sigue vivo, que da la impresión de moverse, de sutilmente respirar.
Burri nunca pensó que se convertiría en periodista, sin embargo captar los momentos más relevantes de la segunda mitad del siglo veinte lo colocó entre los 10 mejores fotógrafos del pasado siglo.
Temprano en su carrera fue invitado a colaborar por la agencia Mágnum, sus imágenes mostraban un fotoperiodismo humanista al que pocos estaban acostumbrados en esa época. La calidad de sus fotos era evidente y al poco tiempo fueron publicadas en la revista Life.
Su primera fotografía fue a Winston Churchill, más adelante captó el Guernica de Picasso durante una exposición en Milan. Su carrera despegó y el viajó alrededor del mundo como corresponsal de la agencia Mágnum. Visitó Checoslovaquia, Egipto, Irak, Jordania, Líbano, Turquia, Siria, Italia, Francia España, Grecia, México, entre otros, donde atestiguo importantes eventos políticos y sociales. Fotografió a sobresalientes personajes como Ingrid Bergman, Maria Callas, Le Corbusier, Jean Renoir, Giacometti, Akira Kurosawa, Gabriel García Márquez, etc. A Picasso lo retrato en su cuarto de hotel, durante una cena, en una corida de toros, rodeado de niños y con su tradicional playera rayada, cautivo la esencia del trascendental pintor.
El movimiento de la nueva objetividad promovido durante los años veinte influyó en Burri, el hombre fue el centro de su pensamiento. En su obra descubre la personalidad y lleva las situaciones más allá de lo político y social. Para el, la fotografía es un medio de expresión personal donde las imágenes que genera están profundamente ligadas a el y reflejan sus propios intereses. Su trabajo lo llevo a recorrer el mundo, y con sus imágenes transmitir a la humanidad las emociones, alteraciones y bellezas del plantea sin olvidar las guerras y atrocidades que este también ha sufrido.
El Antiguo Colegio de San Ildefonso presenta como parte de la Gira latinoamericana de la gran retrospectiva: René Burri. Un mundo.
Por primera vez en México se exhibe, a lo largo de 9 salas y con más de 350 imágenes, la obra del fotógrafo con reputación internacional. La exposición presenta un recorrido a través de los temas que abarca la obra de Burri, desde sus primeras fotografías, hasta las guerras, personajes y eventos que fueron formando el mundo. La Guerra de los Seis Días, el conflicto libanés, Vietnam, la China de Mao Tse Tung, la crisis de Suez, México en el 68…
Muchas de las imágenes que se exponen son impresiones originales de la época en que fueron tomadas.
La fotografía de autor de Burrí atestiguo numerosos sucesos mundiales, sus fotografías son una ventana al mundo y el fotógrafo de 74 años vive para contarlo.
De manera adicional a la exposición, el Antiguo Colegio de San Ildefonso invita al público a participar retratando como un fotoperiodista aquello que asombra en la vida cotidiana. Para mayores informes visitar www.sanildefonso.org.mx y enviar imágenes a galeriavirtual@gmail.com

René Burri. Un mundo
se presenta hasta el 13 de enero 
Justo Sierra 16, Centro Histórico.
Martes a domingo de 10 a 17:30 horas.
Acceso $35.00 

Estudiantes credencial vigente $17.50
Martes entrada libre.

M.I.A

Kala
(XL Recordings, 2007)
http://www.miauk.com/

por Isabel Gil

El mensaje de Make trade fair que promueve el comercio justo entre gobiernos, instituciones y corporaciones multinacionales repetido por Chris Martin, y DATA, la organización de Bono que lucha contra el Sida, son importantes acciones en pro de la sociedad global, sin embargo Maya Arulpragasam prefiere hacer este tipo de actos a su manera. El medio es su música que, tatuada de agresivas declaraciones, reta al status quo mientras defiende al tercer mundo. Su obra tan personal y marcada de discursos políticos (en ella lo político es personal) es un arma que encara las bases éticas, cuestiona los sistemas y desafía los límites de la expresión.
Maya a/k/a M.I.A, nombre que ella adopta haciendo referencia a los soldados perdidos en combate, es hija de un militante Tamil de la guerra revolucionaria en Sri Lanka. Refugiada desde su infancia en Londres y expuesta a la particular escena musical de rap y hip-hop de los ochenta, ha evolucionado a convertirse en una activista que oculta bajo una mezcla de ritmos contagiosos y agradables, vívidas imágenes de guerra, dinero, migración y poder que cuestionan el curso de nuestros valores.
M.I.A no es cualquier artista pop que en sus videos musicales abuse del maquillaje y la tecnología para presumir su “insuperable” aspecto físico. En sus presentaciones relega las coreografías complicadas y las actuaciones sobre-estudiadas para crear videos como “Sunshowers”, que sin ser grosero o explícito fue censurado por mencionar a la Organización para la Liberación Palestina (like PLO don´t surrendo).
A pesar de ser menos ambicioso por seguir a su obra prima, en Kala, su reciente producción musical, M.I.A refuerza su estilo característico con el que vulnera los lugares cómodos y genera provocativas controversias. Un híbrido de ritmos de hip hop, reggaetón y pop que se completa con voces inocentes de niños tercermundistas víctimas de las presiones de un primer mundo y contraposiciones musicales de ruidos de tanques, coches, balas y máquinas registradoras. Los atinados y poco convencionales versos que acompañan su métrica, son palabras que por coloquiales corren el riesgo de perder peso si no son escuchadas con atención. “Boyz”, es un canto a los nuevos warlords antes que otra canción pegajosa.
El resultado es más que un álbum ruidoso, sarcástico y determinado concebido por una artista que se acerca cada vez más a ser la Banksy de la industria musical. M.I.A, imposible de estereotipar, inconforme y subversiva aparece como una vocera electa por minorías y audiencias internacionales. Su mensaje… La esencia del tercer mundo pierde su valor con el contagio y la imposición.

EL MISTERIO DE LA LUZ

Vidrio Mexicano
Dice el famoso refrán: “En este mundo traidor nada es verdad nada es mentira. Todo es según el color del cristal con que se mira”. Puede o no ser cierto, lo que si es un hecho es que el cristal, el vidrio forma parte de nuestro pasar cotidiano, estamos acostumbrados a relacionarnos con el. Pero que tanto sabemos del vidrio o de sus orígenes. Los usos que se le dan van más allá de lo que imaginamos, no se usa solo para copas, vasos, botellas y focos.
El Museo de Arte Popular presenta la exposición “El misterio de la luz” vidrio mexicano. Es una muestra original y diferente a las que normalmente se exponen en museos. Es una exposición que abarca desde objetos comunes y artesanías hasta el arte como un medio de expresión, todo basándose en un material conocido por todos, el vidrio.
La muestra está compuesta de alrededor de 400 piezas, todas hechas de vidrio. Un material que por su trasparencia nada esconde pero por sus infinitas posibilidades definitivamente sorprende. “El misterio de la luz” nos acerca también a los usos que se le ha dado al vidrio, un material que lleva existiendo desde hace más de 3,500 años Es una exposición llena de color y de posibilidades, donde el material que se usa no limita la creatividad de los creadores. Se pueden ver desde canicas hasta unos caleidoscopios increíbles, y esto demuestra que no todo lo que se hace de vidrio es frágil, o un adorno aburrido.
“El misterio de la luz” se encuentra en el Museo de Arte Popular hasta el 30 de septiembre. Está abierto de martes a domingo de 10:00 de la mañana a 5:00 de la tarde y le entrada es libre. Está ubicado en la calle de Revillagigedo y esquina con Independencia en el Centro Histórico. En metro la parada más cercana es Bellas Artes.

http://www.map.org.mx/
Tel. 55 21 29 21 

amigosmap@aol.com

GUILLERMO KAHLO Y HENRY GREENWOOD PEABODY

DOS MIRADAS A LA ARQUITECTURA MONUMENTAL

No es nuevo que el trabajo mexicano se admire alrededor del mundo antes que en México. En 1901 se publicó en Estados Unidos un libro titulado, Spanish Colonial Architecture in Mexico. En el, Henry Greenwood Peabody, un fotógrafo originario de este país resaltaba con sus imágenes la riqueza del legado español en México. Estados Unidos veía el gran valor de las construcciones mientras que en México lo que interesaba era lo internacional. Las fotografías de Peabody admiraban los monumentos que poco a poco se deterioraban. Entretanto, en México eran considerados como los restos de un mundo que había quedado atrás. Según los razonamientos de la época (finales del siglo XIX), había que borrar el mundo novohispano extinto, incluso de la memoria, para poder convertirnos en un país moderno. Cuando llegó el libro mencionado a México, la obra apasionó al entonces presidente Porfirio Díaz, a sus ministros y a la alta sociedad mexicana. La sensación generada hizo ver la magnitud de las construcciones que hasta ese momento devaluaban. Guillermos Kahlo, alemán establecido en México y uno de los precursores de la fotografía en México, fue encomendado para capturar los templos más destacados del país con el fin de rescatarlos del olvido.
Las imágenes capturadas por ambos fotógrafos quedan como prueba del México que heredamos. Fotografías así nos hacen también reflexionar sobre nuestra historia y la forma en que estamos preservando lo que físicamente la representa. Las construcciones fotografiadas son una huella de nuestra historia y por lo tanto de la identidad nacional, lo que queda de aquello que en algún momento fue primordial.
La obra de ambos fotógrafos originarios de distintos países puede ser comparada, sin embargo no necesariamente destaca una sobre la otra. Sin importar que de repente retrataran un mismo monumento, cada uno tenía una diferente intención a la hora de hacerlo. Al estadounidense no le interesaba aislar las obras arquitectónicas con el fin de adornar una composición, buscaba exhibir el abandono en que se encontraban las increíbles obras novohispanas. El padre de Frida Kahlo usaba la luz para guiar al espectador alrededor de cada construcción. En sus fotografías genera imágenes abstractas que muestran la belleza de cada monumento. Las fotografías de Peabody son polvosas y misteriosas mientras que las de Kahlo tienen más vida y color.
La obra de ambos encarna un vasto registro de las iglesias de México, al mismo tiempo que le ceden un enorme valor a nuestra herencia arquitectónica.
La muestra está compuesta por alrededor de 120 fotografías pertenecientes a un acervo de aproximadamente 500. Se exponen imágenes de Peabody que nunca antes habían sido vistas en México. Resaltan fotografías de la Catedral Metropolitana, el templo de Coyoacán, San Ildefonso y la Casa de los Azulejos.
La exposición es un encuentro de perspectivas con distintos antecedentes que en su momento enfrentaron a un país que se inclinaba por desaparecer la obra que ellos fotografiaban. Acércate a reconocer las múltiples diferencias personalmente.
La Exposición Guillermo Kahlo y Henry Greenwood Peabody, Dos miradas a la arquitectura monumental se presenta hasta el 27 de enero del 2008 en el Antiguo Colegio de San Ildefonso ubicado en Justo Sierra 16 del Centro Histórico de la Ciudad de México.
Martes a domingo, de 10:00 a 18:00 hrs.
Exposiciones temporales $35.00
Estudiantes y maestros con credencial vigente $17.50
Martes, entrada libre general
Mayores informes al 57 02 45 07.

LUZ DE ESPAÑA

Otra manera de viajar y conocer el mundo es a través del arte. Luz de España, es una exposición temporal que se presenta en el MUNAL como parte del XXV aniversario del museo y que surge como una oportunidad para desplazarse, a pesar de que no sea físicamente, al país europeo de los pasados siglos.
Por primera vez en México, se muestra un conjunto de 82 óleos pertenecientes a una de las más significativas colecciones de arte Español. La Hispanic Society of America es una de las instituciones de cultura española más relevantes del mundo. Su colección abarca diferentes aspectos de la historia ibérica y alberga, entre otras cosas, alrededor de 800 lienzos que engloban desde el siglo XVII hasta el siglo XX. Es una fundación que solo adquiere obras en el mercado fuera de la península ibérica, para no atentar contra el patrimonio español.
La exposición, que después se presentará en otros países latinoamericanos, es una de las más grandes que se han mostrado en nuestro país sobre pintura española. La exhibición se divide en seis secciones:
“Entre majas y mozos” donde resaltan las tradiciones ibéricas y majas orgullosas que se ventilan con elegantes abanicos representados por artistas como Ignacio Zuloaga y Fernando Álvarez de Sotomayor. La segunda parte, “Escenas de lo inmediato”, es una visión a la vida cotidiana del siglo XIX. El tercer bloque, “Tesoros del paisaje”, escenifica obras arquitectónicas que se adhieren a paisajes del territorio español en contraste con “España entera”, una sección de paisajes naturales. “Las líneas del retrato”, el fragmento que une retratos de importantes personajes de la historia, el arte y la literatura personificados por grandes pintores como Francisco de Goya. El último tramo de la exposición titulado “Sorolla. Transformaciones lumínicas”, dedicada a más de 10 cuadros que engloban el trabajo del sobresaliente pintor, Joaquín Sorolla.
La importante presentación revela pueblos, playas, personajes, paisajes, iglesias, costas, pueblos clásicos, barcos y lugares interpretados por grandes pintores que con su obra trasladan a épocas que ya dejaron de ser, en un país que aún permanece y que mantiene y recuerda mucho de lo que fue.
Luz de España, este recorrido alterno por el pasado español se presenta hasta el 14 de noviembre de este año en el Museo Nacional de Arte.

Tacuba 8, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.
Horario: Martes a domingo de 10:30 a 17:30 horas.
Admisión general: $30.00. Domingos: Entrada libre para todo público. Estudiantes, maestros, miembros del INAPLEN, ICOM, SEPALO con credencial vigente pagan $15.00.
Mayor información: 5130 3400

EL VIAJERO LÚGUBRE, JULIO RUELAS MODERNISTA

1870 - 1907
"La inspiración de Julio Relas complácese en la sombra, en la angustia, en el tormento. Es dantesca por excelencia, viene del infierno, a través de Goya…
Nadie como el ha sabido traducir al dolor, un dolor que eriza los cabellos, que hace pensar en un mundo fantasmagórico de suplicios.”
Amado Nervo


Ser un pintor rebelde, que vulnera las normas de una sociedad cerrada y escandaliza al público de la época, va a resultar en que tu trabajo sea menospreciado, sobre todo si tu obra se enfrentó con el México de Porfirio Díaz. Julio Ruelas fue este tipo de pintor, rompió esquemas por la violencia y críticas oscuras que manejaba en sus pinturas. Muchas de sus obras fueron destruidas por resultar escandalosas.
Originario de Zacatecas, Ruelas fue un fuerte y misterioso representante del modernismo en Latinoamérica. Conmemorando los 100 años de la muerte de este grabador, ilustrador y pintor, el Museo Nacional de Arte presenta la exposición El viajero lúgubre, Julio Ruelas modernista, que destaca su presencia en la Revista Moderna.
A pesar de que no participó en el primer número de la publicación, los escritores de la Revista Modernista encontraron en Ruelas lo que probablemente a todo grupo literario le gustaría tener, alguien que le de una figura gráfica a su obra escrita. Su trabajo fue tan bueno, que incluso muchos de los textos de la revista se realizaron a partir de lo que el dibujaba; así sucedió con un par de poemas escritos por Amado Nervo inspirados en la obra de Ruelas. La revista fundada en 1898 fue censurada añios después, el entonces presidente Porfirio Díaz consideró que sus escritores se habían excedido. Se convierte en la Revista Moderna de México y pierde el peso que inicialmente tuvo. Tras el cierre de la publicación varios colaboradores la abandonan, entre ellos Ruelas quién se traslada a París, sin embargo sus dibujos se continuaron usando en la revista hasta el final.
La exposición reúne tres manifestaciones artísticas del periodo decadentista que vivió Ruelas, la literatura, la música y el arte gráfica. Se exponen más de 100 obras, entre sus principales óleos, colección de grabados, dibujos y ejemplares originales de la Revista Moderna.
El impredecible pintor que solo vivió 36 años logró que su obra fuera excepcional y clave en el movimiento literario modernista. En su obra manejo temas como la fantasía, la nostalgia, las incoherencias, su trabajo fue dedicado, minucioso y cercano a la perfección.
El homenaje que presenta el Museo Nacional de Arte es una excelente oportunidad para acercarse a la obra de este autor. La mayoría de su trabajo pertenece a colecciones privadas, solo el 10% pertenece a museos, lo que hace que su obra sea poco accesible al público.
Julio Ruelas, el viajero lúgubre permanecerá abierta hasta el 28 de octubre en el Museo Nacional de Arte, Tacuba 8 en el Centro Histórico.
Admisión general: $30.00. Domingos: Entrada libre para todo público. Estudiantes con credencial vigente pagan $15.00.
Horarios del museo: de martes a domingo de 10:30 a 5:30
Metro Bellas Artes.